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Si estás en el cuento de la fotografía has tomado muchas fotos, has hecho muchas ampliaciones. Cuántas de ellas son importantes para ti o para las personas que las han visto? Dominas el manejo de la cámara que hoy día no es difícil: los fotómetros son confiables, versátiles y rápidos pero las imágenes producidas son simplemente un recuerdo de la escena fotografiada, nada más. Llega el momento y la necesidad de no más "tomar fotos" y comenzar a "crear fotos", emocionarse con su trabajo y deleitarse con la belleza de sus imágenes. Es importante que la escena, las formas, las texturas, la luz y la sombra produzcan asombro, para que esa emoción quede impresa en la película. Sin duda que lo ha intentado anteriormente y de pronto algo ha resultado, pero no hay consistencia en esa búsqueda y el Sistema de Zonas es una respuesta segura. Desde hace ya unos cincuenta años los fotógrafos preocupados por el dominio del tono que es el fundamento de la calidad fotográfica empezaron a clasificar el manejo de los tonos y poco a poco se fueron acercando a lo que hoy se llama sistema de zonas. Varios maestros puntualizaron los principios del sistema, pero talvez el primero que los sintetizó en la forma como hoy día se conocen fue Ansel Adams (1904-1985), fotógrafo paisajista norteamericano, en su libro "The Negative" (1981). La historia del Sistema de Zonas: fue Ansel Adams el único inventor?

Siendo profesor del Art Center School, Los Angeles, 1940, dice Adams en su autobiografía . "En cooperación con Fred Archer, profesor de Retrato Profesional, se me ocurrió planificar un sistema para que los estudiantes aprendieran "las escalas y las notas" para encontrar la clave técnica de la mitad" (se refiere aquí a la comparación de la fotografía con la música y la Zona V o el Valor V en la tonalidad.), me tomó varias semanas perfeccionarlo hasta poderlo enseñar. Esa codificación de sensitometría práctica lo llamé Sistema de Zonas". En la primera edición de "The Negative", 1964 no menciona la influencia de Archer en su sistema.

Sería desacertado poner el sistema como plataforma esencial de la fotografía. Muchos fotógrafos importantes, no se ocupan del sistema de zonas, y hacen magníficas fotog rafías. Pero el hecho de poder mesurar la tonalidad, facilita manipular la realidad haciéndola más atractiva y expresiva. El Sistema de Zonas permite en forma rápida acercarnos al dominio del tono, meta ideal de cualquier fotógrafo.

El Sistema de Zonas me permite relacionar las diferentes formas de reflectar la luz en la escena con el blanco y el negro, para que se puedan ubicar en la foto final. Después de la "previsualización" creativa del sujeto, debo considerar las diversas luminosidades para comenzar la manipulación de la misma en la cámara (posición, encuadre, largo focal, diafragma, velocidad), luego en el revelado y posteriormente en la copia. 

Valor tonal de la imágenes y previsualización

El fotógrafo antes de tomar la foto debe imaginar (previsualizar) cómo va quedar registrada la escena en el positivo final, no solo evaluando la calidad tonal de la escena, sino también su calidad de imagen expresiva, aunque para el artista, todo puede ser fotografiable y fotogénico. Reproducir la realidad tonal de la escena es imposible si partimos del hecho de que las películas fotográficas no tienen la misma versatilidad del ojo. Hablando en terminología técnica: las escenas iluminadas con luz día tienen una relación lumínica de 1:10000, lo que significa que las luces tienen una reflexión de 10000 en relación a las sombras que reflejan el valor 1, los materiales fotográficos tienen solo una relación de 1:100. Es decir: la foto final, nunca podrá reproducir la realidad tonal de la escena original.

La fotografía sigue siendo y será siempre una bella y deliciosa mentira. Pero este hecho basado en la limitación de la película y el papel fotográfico es la ventaja para la creatividad, porque tengo infinitas formas de representar los valores tonales. En un paisaje, puedo darle importancia al detalle en las nubes del cielo, o darle importancia al detalle en las zonas menos iluminadas. O hacer un promedio, o trabajar con exageración.

De todas formas, podré utilizar muchos controles en la toma, en el revelado, en la copia, para llegar a representar lo que "vi y sentí" en el momento de ver la escena y en el momento de fotografiarla. Tenemos posibilidad de ejercer diferentes controles fotográficos, pero lo importante es buscar que el negativo tenga toda la riqueza tonal y cromática aunque podamos cambiar los valores en la copia utilizando diferente grado de papel. Si el negativo tiene toda la información puedo trasladar los valores hacia donde yo necesite, tengo una herramienta eficaz para mi expresión artística. Analicemos el gráfico que sigue a continuación.

La primera línea representa la realidad con su riqueza cromática y tonal. La segunda es la capacidad del ojo humano, que con sus grandes posibilidades capta todo el detalle en las luces y un gran porcentaje del detalle en las sombras. Viene enseguida el negativo, bastante limitado en su capacidad de registro, sobre todo de los tonos en las sombras.

El papel es un poco más sensible al detalle en las sombras. Sin embargo hoy día los fabricantes de materiales fotográficos tratan de implementar nuevas posibilidades en los mismos. Las películas modernas, Ilford, Kodak, Agfa, para mencionar sólo las que se consiguen en Bogotá con cierta facilidad, tienen más versatilidad en el manejo de sombras y luces. Además los papeles de contrate variable mejoran las posibilidades de reproducción.

Pero también el fotógrafo experimentado puede trabajar la exposición: exponiendo para las sombras, vale decir, sobre-expone para que la poca luz pinte bien en el material fotosensible. Y en el revelado de la película se revela para las luces, es decir, se revela un poco más de lo normal, saliéndose de los estándares, o selecciona un revelador más rápido y de mayor espectro, para dar ganancia a los detalles en las sombras. Así mismo en el copiado, acudiendo a los modernos papeles de contraste variable, puede llegar a su propósito.

Esta manera de trabajar es relativamente fácil para quien, como lo hacía Ansel Adams, trabaja con película de gran formato, sistema en el que es posible modular en la exposición, el revelado y la copia, cada fotograma por separado. Aunque también se puede hacer con película de 35mm. Asi, cuando tengo una escena contrastada por su iluminación (paisaje con luz de sol directa), puedo o aumentar su contraste o darle el valor tonal real o disminuir a voluntad la escala de grises, si trabajo fotograma por fotograma. 

Quien trabaja 35mm puede aspirar a algo parecido usando la técnica del "bracketing" (primera exposición como dice el fotómetro, segunda medio diafragma o velocidad de subexposición, tercera medio diafragma o velocidad de sobrexposición). Y luego escoger, a base de experiencia el mejor revelado y copiado. Aquí es donde entra el Sistema de Zonas como técnica de mejoramiento en la fotografía.

Comencemos por clasificar las posibles escenas fotográficas en la siguiente forma:

  1. Cuadro blanco sobre fondo negro (predominio del oscuro)
  2. Cuadros estilo ajedrez (equilibrio entre claro y oscuro)
  3. Cuadro negro sobre fondo blanco (predominio del claro)

De hecho faltarían aquí los extremos que serían: la oscuridad total y el blanco total

Reproducir estas posibles escenas fuera muy sencillo si viviéramos en un planeta con soles por todos los lados en donde no hubiera sino día y siempre mediodía, pero las condiciones reales de luz son muy cambiantes de un momento a otro, de un ambiente a otro y el fotógrafo debe sacar el mejor partido a cada situación. Pero tiene sus herramientas en la cámara: diafragma, velocidad, sensibilidad de la película y proceso.

Las posibles situaciones de iluminación y tono en fotografía son manejadas por cada fotógrafo de acuerdo a su sentido estético, respetable mientras sea consistente y linear (no inconstante y errático). Aquí cabe el sentido constructivo de la crítica artística: “En suma si preconizamos un juicio que favorezca más lo intrínseco en la obra, lo endógeno, que lo ajeno a esta, lo exógeno, para mediante la crítica llevarla a los últimos estadios de su necesaria perfección, por fuerza se evaporan aquellos paradigmas que pretenden el status de marcos de referencia con que comparar la obra ” (Walter Benjamin, Der Begriff der Kunskritik in der deutschen Romantik) citado por Manolo Laguillo en El Sistema de Zonas.

Los términos de "sobrexposición", "subexposición" no tienen cabida porque cada uno puede trabajar buscando el manejo de los grises que más le convenga. Quiero resaltar el detalle de los claros, subexpongo. Quiero dar detalle a las sombras, sobreexpongo. En este mundo así concebido, no hay nada incorrecto mientras haya consistencia en el proyecto y el resultado.

Clasificación de las tonalidades (Blanco y negro: grises. Color: gama). En fotografía, a diferencia de otras artes pictóricas, hay muchos parámetros mesurables y patrones pre-establecidos de medición. Se pueden establecer fronteras en la escala de grises.

Se puede experimentar en diferentes formas para comprobar lo dicho. Retratar una carta de grises y colores de diferente tonalidad, es una de tantas, pero la más precisa, porque tanto la iluminación como la toma es fácilmente manejable.

Lo que estamos buscando en la práctica es poder manejar todas las siguientes opciones:

  1. Negro Máximo (papel o película velados a luz diurna y revelado normalmente
  2. Negro máximo dentro del fotograma, dentro de la foto real
  3. Negro con algo de textura
  4. Gris oscuro, textura evidente
  5. Gris oscuro con más detalle que el anterior
  6. Gris medio del 18% de reflectancia
  7. Gris claro con mucha textura
  8. Gris claro con textura
  9. Gris muy claro con "alguito" de textura
  10. Blanco con detalle como las nubes en un día soleado
  11. Blanco puro (papel o película sin exponer y revelados normalmente)

Un ejemplo tomado de A Simplified Zone System for Making Good Exposures por Norman Koren:

Resumiendo:

Es lo mismo que se presenta con la siguientes tablas basadas en escenas reales tomadas con luz solar.

ZONA Porcentaje Reflectancia Visualización Escena Fotografiada con Sol
0 0% Negro Absoluto Papel velado y revelado normalmente
1 0,6% Negro Denso en la Foto Terciopelo negro, superficie mate negra
2 1,3% Negro Los objetos más oscuros de la escena con algo de textura
3 2,8% Tonos muy Oscuros La mayoría de objetos oscuros: todo con textura. Se reconoce el material
4 5,2% Tonos oscuros Tierra negra, piel bien negra, vestidos oscuros
5 10,5% Tonos Oscuros Medios Piel oscura, la parte en la sombra del paisaje
6 18% Gris Medio Carta Gris del 18% iluminada por el sol
7 21% Tonos Medios Claros Piel blanca, arena blanca mojada, ladrillos rojos, azul oscuro del cielo, madera húmeda, pasto
8 42% Tonos Claros Piel blanca iluminada, arena blanca, tierra seca, azul claro del cielo, madera recién cortada
9 84% Blanco en la Fotografía Las nubes muy blancas, la nieve más clara, pintura blanca brillante
10 100% Blanco Absoluto Fuentes luminosas, luz reflejada en un espejo

 

0 Negro profundo, pero algo más claro que el negro máximo. El umbral efectivo. Sin detalle. Con los papeles modernos plastificados (RC) cuesta trabajo diferenciar ésta de la anterior.
I Negro profundo, pero algo más claro que el negro máximo. El umbral efectivo. Sin detalle. Con los papeles modernos plastificados (RC) cuesta trabajo diferenciar ésta de la anterior.
II Primera insinuación de detalle. Las partes más oscuras de la imagen con sensación de textura.
III Ya se ve el detalle. Todo se reconoce porque se ven de que están hechas : piel, cuero, tela , piedra, etc.
IV Las partes en sombra de un paisaje urbano : edificios y  calles o el lado no iluminado de una cara blanca en la  luz del sol
V Gris medio. El centro de la evaluación. Todo lo que refleje un 18% de la luz que recibe : piel morena, paisaje de completa gama de color (árboles, flores, rocas, agua, gente - chicas y chicos)  iluminado por el sol a mis espaldas)
VI El lado iluminado de una cara de piel blanca. Cemento, fotos tomadas con filtro azul
VII Piel demasiado blanca. Objetos de color gris claro, colores suaves y apastelados y con detalle perfectamente apreciable.
VIII Los brillos de un rostro piel clara. Las partes más claras de la escena pera con insinuación de detalle.
IX Blanco sin detalle. Un cielo blanco que en la copia aparece como un gris claro pero ligeramente más oscuro que el blanco puro del borde
X El blanco puro del papel que en la foto final pueden ser los reflejos especulares del agua, del cielo, del sol.

Si analizamos las tablas anteriores con atención podemos concluir que lo que hacen es mesurar en forma matemática el contraste de la escena. Así podemos decir que un sujeto está en la zona 5 cuando los valores de contrate son normales, en cambio está en la zona 1, 2 o 3 cuando predominan las sombras. Si se encuentran en la zona 6, 7 u 8 predominan las luces.

Así mismo esos valores los podemos trasladar a la apreciación visual del negativo en forma complementaria, de tal forma que un negativo totalmente oscuro estaría en la Zona -9 (9 en el positivo) o Zona 1. Un negativo, al contrario, transparente estaría en la zona -1(1 en el positivo) o Zona 9. Conceptualizar los tonos significa poder medirlos y por lo tanto producirlos en la copia final. Esta es la esencia del Sistema de Zonas.

1 2 3 4 5 6 7 8 9
               
 

 

Sistema de Zonas aplicado al Color

Las escenas reales son en color y con mucha frecuencia nuestra evaluación o previsualización se ve limitada por el color. El fotógrafo tiene una herramienta que es el filtro 92 un filtro de densidad neutra con coloración café, con el cual los colores se agrisan cuando observo a través de ellos en forma rápida. Este problema se debe a que el brillo del color nos hace confundir los valores y las zonas.

Es más fácil colocar ante nosotros la carta gris del 18% de reflectancia y decir que esa es la Zona V. Pero en el caso de los colores, el rojo está en la Zona V, el Azul, que luce más oscuro, en la Zona III y el Amarillo, que luce más claro, en la Zona VII? Realmente la cosa es un poco más complicada, teniendo en cuenta que las películas tienen distinta resonancia a los colores primarios. Y que los colores tienen distinta saturación y brillo así sean de un sólo tono.

De hecho los materiales pancromáticos, que son los que trabajamos normalmente, tienen mayor sensibilidad al azul, luego al rojo y finalmente al verde. Es por eso que podemos supervisar el revelado con el filtro Wratten #3 de Kodak o similar (filtro verde muy denso). Así si medimos la siguiente tabla de colores con un buen fotómetro encontraremos los siguientes valores para cada uno de los colores.

Las siguientes tablas son una traducción de la fotografía digital aplicada a la fotografía convencional, teniendo en cuenta que si trabajamos en un programa como Photoshop y calibramos el monitor y la impresora con la utilidad de Adobe Gamma, podemos cambiar los valores cromáticos de la siguiente tabla. Por lo tanto de pronto no es exactamente lo mismo, pero si muy cerca. 

 Zona I  Zona III  Zona V Zona V Z 5  Zona VII  Zona IX
           
 R  Y  G  C  B  M
           

La fila de arriba contiene las Zonas I, III, V, VII y IX. Los valores tonales pueden cambiar de monitor a monitor, de acuerdo a la calibración que usen.La segunda fila tiene colores oscuros y la tercera los colores primarios y complementarios puros (R,Y,G,C,B,M), y la cuarta los mismos colores pero apastelados.
La tabla es fácil de utilizar, si se está observando un color parecido al que hay en la tabla, haga el ajuste correspondiente, en relación a la Zona V, de acuerdo a la carta que está al lado, si necesita que ese color se registre con valor V. Así por ejemplo, si necesita valor V para la parte oscura, cierre 2 pasos y medio, de lo que lea el fotómetro en el gris. Si quiere que el Verde Oscuro tenga el Valor V, cierre medio diafragma.

Zona 1
-2½
Zona 3
-1½
   Zona 5
   0
  Zona 7
+1½
Zona 9
+2½
[Marrón]
-1
[Oliva]
0
 [Verde
Oscuro]

 
[Cyan
Oscuro]

0
[Azul Rey]
-1½
[Púrpura]
-1
[Rojo]
+0
[Amarillo]
+1½
Verde
[Limón]
+½
[Varde
Azul]

+1½
[Azul Mar]
Magenta
[Fuscia]
+1 +2 +1½ +2 +½ +1

El fotógrafo persigue el control de las tonalidades. En la mayoría de los casos este control consiste en llevar la copia o la diapositiva a reproducir con toda fidelidad la gama de colores que tiene la imagen real. Otras veces, quizás menos, se busca cambiar las condiciones reales de la escena con fines de hacer la foto más llamativa, en el caso de la publicidad, o más sugestiva en el caso de la foto-arte. Los inventores del sistema de zonas entre los que se destaca el norteamericano Ansel Adams trabajaron fotografía en blanco y negro.

Estos materiales trabajan fundamentalmente en color porque la realidad es color, aunque la reproducción de los tonos y gamas resultan en tonos grises entre el blanco y el negro. Reproducir las escenas fuera muy sencillo si viviéramos en un planeta con soles por todos los lados en donde no hubiera sino día y siempre mediodía, pero las condiciones reales de luz son muy cambiantes de un momento a otro, de un ambiente a otro y el fotógrafo debe sacar el mejor partido a cada situación manipulando las fuentes de luz, o la exposición o el proceso del material. Pero el color es efímero y cambiante como la luz que lo crea. Para dominarlo el fotógrafo educa el ojo, aprende a previsualizar, conoce las causas de cada resultado y aprende a manipular luz y material para obtener lo que busca.

Es por eso que vale la pena intentar trabajar el sistema también en la fotografía en color.

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